Il y a les abbayes que l’on visite pour leurs pierres, leurs cloîtres et leurs histoires. Et puis celles qui offrent, le temps d’une visite, un autre regard sur leur patrimoine. À Beaulieu-en-Rouergue, Lee Bae dialogue avec l’architecture cistercienne ; à Auxerre, le Centre Pompidou s’invite à l’abbaye Saint-Germain tandis que les sorcières prennent possession de Daoulas. Et ce n’est que le début du voyage !

De la Bourgogne au Finistère, en passant par le Tarn-et-Garonne, les Landes et les Hautes-Pyrénées, voici cinq destinations où l’art se découvre au fil de monuments chargés d’histoire. De quoi s’offrir une dernière échappée avant que l’été ne tire définitivement sa révérence.

1. Abbaye de Beaulieu-en-Rouergue : le geste noir de Lee Bae

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Au fond d’une vallée du Tarn-et-Garonne, l’ancienne abbaye cistercienne de Beaulieu-en-Rouergue cache une histoire peu banale. Tombée dans l’oubli puis sauvée de la ruine dans les années 1960 par les collectionneurs Geneviève Bonnefoi et Pierre Brache, elle abrite aujourd’hui l’une des plus belles collections d’art moderne. Hans Hartung, Alfred Manessier, Simon Hantaï, Georges Mathieu ou Jean Dubuffet y côtoient désormais des artistes contemporains invités à investir les lieux.

Cet été, c’est le Sud-Coréen Lee Bae (né en 1956) qui prend possession de l’abbaye avec 23 œuvres de la série « En attendant ». Ses noirs profonds, ses morceaux de charbon et ses surfaces brûlées répondent aux pierres blondes et aux volumes dépouillés de l’ancienne église. Une confrontation tout en silence, où la matière semble faire écho à celle du bâtiment.

2. Abbaye Saint-Germain d’Auxerre : la mer en héritage

Mais que vient donc faire la mer à Auxerre, à plusieurs centaines de kilomètres du littoral ? Pour le découvrir, direction l’ancienne abbaye Saint-Germain, dont les cryptes carolingiennes comptent parmi les plus anciennes de France. Dans ce vaste ensemble monastique, les œuvres du Centre Pompidou prennent place là où l’on ne les attend pas.

Pour « La mer est ton miroir », les salles de l’abbaye se peuplent de bateaux, de paysages sous-marins, de créatures étranges et d’images d’abysses. Robert Delaunay, Man Ray, Peter Doig, Gilles Aillaud, Hicham Berrada ou Adel Abdessemed se répondent du cellier à la salle capitulaire, tandis que Nicolas Floc’h a conçu trois vitraux spécialement pour cette dernière, à partir des couleurs de l’Yonne, de la Seine et de son aval. Un voyage maritime sans quitter la Bourgogne, inspiré par le célèbre vers de Baudelaire.

3. Abbaye de l’Escaladieu : l’art au fil de l’eau

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De l’eau, de l’eau, encore de l’eau ! Au pied des Baronnies, dans les Hautes-Pyrénées, l’ancienne abbaye cistercienne de l’Escaladieu est installée dans un vallon verdoyant où ruisseaux et montagnes composent un décor particulièrement rafraîchissant. Fondée au XII^e siècle, elle conserve son église, son cloître et plusieurs bâtiments monastiques.

Pas étonnant donc que l’eau soit au cœur du « Chant de l’eau », une exposition qui réunit des artistes comme Hicham Berrada, Léa Barbazanges ou Charlotte Denamur. Installations, sculptures et œuvres immersives prennent place dans l’abbaye et ses abords, faisant dialoguer l’eau avec les pierres, les jardins et le paysage. Une bonne raison de s’attarder ici.

4. Abbaye des Prémontrés : quand la terre prend feu

De l’argile, du feu et un peu d’imagination… À l’abbaye des Prémontrés, à Pont-à-Mousson, la terre cuite raconte toute une histoire. Cet ancien monastère du XVIII^e siècle accueille « Terres d’ar(t)gile », une exposition qui fait remonter à la surface une histoire lorraine de la céramique, de l’Art nouveau à la création contemporaine.

Ici, les fours ont laissé place aux salles d’exposition, mais la matière est toujours là. Émile Gallé, Victor Prouvé, Géo Condé et les frères Mougin côtoient des céramistes d’aujourd’hui dans un parcours qui traverse formes, couleurs et techniques. Faïence, grès, porcelaine ou sculpture, la terre change de visage au fil des œuvres et des époques.

5. Abbaye de Daoulas : dans les pas des sorcières

La figure de la sorcière n’en finit pas de nourrir les imaginaires. Sorcières, guérisseuses ou devineresses ? Qui étaient vraiment ces femmes auxquelles on a prêté tant de pouvoirs ? Après Nantes et Pont-Aven, elle s’invite encore à Daoulas avec « Ma sorcière mal nommée », qui explore les savoirs, les pratiques et les représentations associés à ces femmes longtemps diabolisées. Œuvres, objets ethnographiques, archives et témoignages contemporains composent un parcours aussi documenté que surprenant.

L’exposition réunit des pièces rares prêtées notamment par le Louvre, le musée du quai Branly ou les Archives nationales. Le cadre vaut également le détour. Fondée au XII^e siècle, l’ancienne abbaye conserve un remarquable cloître roman, l’un des derniers encore préservés en Bretagne, ainsi que des jardins où plantes médicinales et espèces venues d’ailleurs poussent à l’ombre des vieilles pierres.

Quoi de beau chez nos voisins suisses ? Beaux Arts s’est promené de l’autre côté de la frontière, pour élaborer un carnet de voyage artistique automnal, entre grandes signatures et découvertes.

À Vevey, la biennale Images fête ses dix ans ; à Bâle, une collectionneuse oubliée sort de l’ombre aux côtés de Van Gogh et de Hodler ; quand Genève fait cap sur le futur avec notamment une expo à voir en famille ! Direction la Suisse, c’est de la dynamite !

À Vevey, une biennale des images en fête

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Famille, je vous aime ! Pour sa dixième édition, la biennale Images Vevey convoque 55 pays comme on réunirait ses frères et ses sœurs, tantes, oncles et cousins. Toutes les tribus sont conviées dans la ville de Vevey, à ciel ouvert. JR y célèbre les quinze ans de son « Inside Out Project », Douglas Gordon et Philippe Parreno ressuscitent Zidane, et Richard Billingham rouvre l’album de son enfance à Birmingham. Avec 50 installations gratuites dans toute la ville, la photo se savoure comme un grand banquet de famille.

À Lausanne, l’art subversif de Ted Joans

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Il se qualifiait de « surréaliste noir », fréquentait Salvador Dalí et André Breton, était l’ami de Jack Kerouac, et a joué de la trompette aux côtés de John Coltrane. C’est dire si l’univers de Ted Joans (1928–2003) promet de vous transporter ! Longtemps resté en marge des grands récits, l’artiste qui ne rentre dans aucune case se révèle à travers une toute première monographie au musée cantonal des Beaux-Arts de Lausanne (MCBA). Dessins, collages et films font dialoguer surréalisme, jazz et panafricanisme, de Louisville à Tombouctou, en passant par Tanger et Paris.

Du verre et du manga : deux expositions originales au mudac

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Bienvenue au temple du mignon ! À Lausanne, le musée cantonal de Design et d’Arts appliqués contemporains (mudac) s’est changé en arche de Noé de verre, à admirer encore pendant quelques semaines. Plus de 300 animaux soufflés par les maîtres verriers de Murano, réunis pendant six décennies par l’historien d’art Pierre Rosenberg, ont envahi Plateforme 10 avec une cohorte d’éléphants, de bassets et autres poulpes interrogeant notre manie de mettre le vivant en vitrine. En écho, le musée rend hommage à Isao Takahata (1935–2018). Cofondateur du célèbre Studio Ghibli, le cinéaste de Heidi et du Tombeau des lucioles a construit, entre le Japon et la Suisse alpine, un pont animé unique. Storyboards et celluloïds composent les salles de l’expo à arpenter jusqu’au 27 septembre.

À Genève, la stimulante carte blanche à John M Armleder

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Chaque année, depuis 2021, le musée d’Art et d’Histoire de Genève confie les clés de ses réserves à un artiste. Pour cette édition 2026, c’est John M Armleder, figure tutélaire de la scène suisse, qui a pioché dans les 800 000 pièces de la collection pour rebattre les cartes. Bouchons de liège surmontés d’animaux en argent, boule disco dévalant l’escalier, salle des armures muée en « salle du vide »… À 78 ans, l’artiste iconoclaste prouve que le musée et l’art restent un formidable terrain de jeu.

À voir en famille à Genève

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Et si l’on emmenait les enfants faire un tour dans le futur ? Le musée d’Ethnographie de Genève (MEG) a coconstruit avec deux classes genevoises sa nouvelle exposition, pensée pour être accessible dès huit ans, sans pour autant être niaise pour les grands. Robots ratés, cartes de tarot, daruma japonais ou casque censé dialoguer avec les animaux : au total 200 objets interrogent notre besoin de deviner ce que sera demain. Un cabinet de curiosités ludique et coloré, où les familles envisagent cette question : le futur, c’est quoi ? Avec un tas de pistes !

À Martigny, Rodin sous la plume de Rilke

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À Martigny, Auguste Rodin (1840–1917) retrouve son plus fervent admirateur, le poète Rainer Maria Rilke (1875–1926). Secrétaire, admirateur puis biographe du sculpteur, ce dernier logea quelques mois à Meudon, aux côtés du maître. Avec la complicité du musée Rodin à Paris, la fondation Pierre Gianadda développe, à travers Le Penseur, Le Baiser ou La Danaïde, un parcours guidé par la plume lyrique de Rilke. Un dialogue entre bronze et poésie, complété d’un espace dédié au séjour de l’écrivain dans le Valais, où il repose depuis 1926.

À Bâle, le tourbillon d’une grande collectionneuse

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Alpiniste, pilote de dirigeable, photographe et l’une des plus grandes collectionneuses d’art de Suisse. Voici en quelques mots le portrait de Gertrud Dübi-Müller (1888–1980), personnalité méconnue ayant mené plusieurs vies à la fois. Amie et modèle de Ferdinand Hodler, elle acquiert dès sa majorité un portrait de Van Gogh et bâtit une collection réunissant Cezanne, Klimt, Giacometti ou Matisse. Le Kunstmuseum Basel lui consacre sa première grande rétrospective en 80 œuvres, réunissant des photographies inédites, pour dessiner une femme aussi libre au volant de son cabriolet qu’au milieu de chefs-d’œuvre.

Pourquoi les sourires sont-ils si rares dans l’histoire de l’art ? Qu’est-ce-que le nombre d’or ? Le syndrome de Stendhal existe-t-il vraiment ? Les artistes ont-ils un don ? Dans cette série, à retrouver ici en intégralité, notre journaliste Malika Bauwens répond de manière aussi précise que concise à ces questions pas si bêtes que vous vous posez sur l’art.

Un peintre derrière son chevalet planté face à un champ de coquelicots et quelques touches de couleur brossées sur la toile. C’est l’image qui vous vient sûrement quand vous songez à l’impressionnisme. Cette vision n’est pourtant pas tout à fait vraie !

Tout part d’une obsession propre au mouvement impressionniste et qui lui a donné son nom : saisir un instant fugace, une « impression ». Pour capter cette lumière qui change sans cesse ou ce nuage qui ne fait que passer, une innovation décisive se fait jour en 1841. Cette année-là, le portraitiste américain John Goffe Rand dépose le brevet d’un tube métallique en étain souple, fermé par un bouchon vissé, capable de conserver la peinture sans qu’elle ne sèche.

Une révolution à plein tubes

Fini les vessies de porc qui fuient et les pigments broyés à l’atelier ! Les artistes vont pouvoir emporter leurs couleurs dehors, prêtes à l’emploi. Commercialisé par Winsor & Newton, puis par la maison Lefranc en France dès 1859, la peinture en tubes change radicalement la donne.

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Le cinéaste Jean Renoir, fils du peintre Auguste Renoir (1841–1919), rapportera même les mots de son père sur l’ampleur de ce bouleversement : « Sans les tubes de peinture, lui aurait expliqué son père, il n’y aurait tout simplement pas eu de Cezanne, de Monet, de Sisley ni de Pissarro ». Pour peindre son Bal du moulin de la Galette en 1876, les témoins rapportent que Renoir faisait transporter son immense toile de 1,30 mètre de haut sur 1,70 mètre de long dans les ruelles pentues de Montmartre pour s’installer sur le lieu des festivités.

Monet, du plein air à l’atelier…

La belle anecdote s’arrête là. Car pour réaliser son chef-d’œuvre, le peintre va jongler entre trois lieux : le bal lui-même, au cœur de la foule, son atelier du 12 rue Cortot pour les retouches, et son jardin où il fait poser ses modèles. Car dans la grande majorité des cas, les impressionnistes réalisent seulement une ébauche sur le motif, avant de retravailler longuement la toile en atelier.

Il en va de même avec Claude Monet (1840–1926), pourtant érigé en champion de la peinture en plein air. Le maître de Giverny reprend souvent ses œuvres pendant des semaines, parfois des mois : « La couleur est mon obsession quotidienne, ma joie et mon tourment », confiera-t-il, résumant des années de doute et de reprises face au motif.

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« Aucun art n’est aussi peu spontané que le mien. »

Edgar Degas

La méthode de Monet s’inscrit à rebours de l’image du peintre spontané. Pour les séries des « Meules », des « Peupliers » ou de la « Cathédrale de Rouen », il emporte parfois une dizaine de toiles sur le motif. Dès que la lumière change, il abandonne l’une pour saisir l’autre, celle qui correspond à la nouvelle heure du jour. Pour lui, il est donc davantage question de précision dans l’observation, bien plus que de vitesse d’exécution.

Le tempo à contretemps de Degas

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Autre contre-exemple : Edgar Degas (1834–1917), qui peint très peu en extérieur. Ce dernier multiplie les esquisses et revient sans cesse sur ses compositions en atelier, allant jusqu’à s’opposer au cliché de l’instantané. « Aucun art n’est aussi peu spontané que le mien », affirmait-il. Si les impressionnistes travaillent bel et bien plus vite que leurs aînés académiques, laissant apparaître volontairement une touche vibrante et fragmentée, aucun d’entre eux ne boucle un tableau en quelques heures.

Quelques chaises dépareillées, des danseuses aux gestes saccadés et vifs, une musique en boucles rythmiques. Les connaisseurs de danse contemporaine auront probablement reconnu dans ces quelques indices le spectacle Rosas danst Rosas, qui a rendu célèbre sa chorégraphe Anne Teresa De Keersmaeker en 1983 et introduit au monde son écriture singulière, entre gestes répétitifs, discipline sévère et sensualité.

Bonne nouvelle : en cette rentrée, le théâtre de Chaillot reprend Rosas danst Rosas du 10 au 17 septembre. Les quatre interprètes se nomment Jasmine Achtari, Eva Galmel, Nina Godderis et Momiji Kuromaru, et la musique est toujours signée de Thierry De Mey et Peter Vermeersch. Le jeudi 17 septembre, une rencontre avec les artistes est prévue à la fin de la dernière représentation.

Entre tension et sensualité

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Sur scène, que verra-t-on ? « Une œuvre charnière, radicale, souvent lue comme un manifeste féminin », écrit la rédactrice du magazine Danser, Agnès Izrine. Joué pour la première fois sur la scène du théâtre de la Balsamine à Bruxelles, Rosas danst Rosas met en scène quatre femmes dans un environnement banal, quotidien, domestique pourrait-on dire, avec ses simples chaises alignées.

Leurs costumes sont simples, amples et légers comme des pyjamas, et leurs cheveux lâchés. Mais les bras se tendent brutalement, les nuques se baissent et se relèvent, les cheveux s’envolent, les mains se joignent et se serrent. Une tension implacable irrigue le spectacle, interrompue cela dit d’élans sensuels, de mains qui s’attardent dans les cheveux, de poitrines qui respirent et se détendent.

Une œuvre phare de la danse contemporaine

On peut lire, dans la répétition des gestes pourtant abstraits et leur brutalité, une critique du quotidien qui dévore les âmes et aliène les femmes. Née en 1960 en Belgique, Anne Teresa De Keersmaeker n’a que 23 ans lorsqu’elle dévoile cette création mythique. Elle est passée par l’école Mudra de Bruxelles et la Tisch School of the Arts de New York, et engage dès ses premiers spectacles de fortes relations entre danse et musique, en travaillant par exemple avec les compositions de Steve Reich. En 1983, elle crée sa propre compagnie, Rosas, et Rosas danst Rosas est sa première création.

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Devenu culte, le spectacle a fait l’objet d’un film réalisé en 1997 par la chorégraphe et Thierry de Mey. Aujourd’hui, son héritage continue de s’enrichir à travers la plateforme Re:Rosas !, sur laquelle on peut apprendre les mouvements de la deuxième partie, se filmer puis envoyer sa propre vidéo à Anne Teresa De Keersmaeker. Le site permet aussi de découvrir l’impressionnante collection de vidéos envoyées depuis 2020. À vous de jouer.

Des fastes du baroque aux lignes épurées de l’architecture contemporaine, les bibliothèques ont toujours offert un terrain de jeu privilégié aux architectes. Dans les salles baroques, fresques, sculptures, dorures et jeux de perspective composent de véritables décors de théâtre, où le savoir se donne à voir autant qu’il se consulte. À partir du XIX^e siècle, les grandes bibliothèques publiques et nationales adoptent une autre monumentalité : leurs façades et leurs salles incarnent le prestige des villes, des États ou des institutions, tout en accompagnant l’essor de la lecture publique.

Aux XX^e et XXI^e siècles, les formes se libèrent. Béton, verre, marbre ou acier remplacent parfois les boiseries et les ornements, tandis que la lumière et les volumes deviennent des éléments architecturaux à part entière. Certaines bibliothèques privilégient la conservation des collections, d’autres misent sur l’ouverture et la circulation des publics. Derrière cette diversité se dessine une même histoire : celle d’un lieu qui, de sanctuaire du savoir à espace culturel ouvert sur la ville, n’a cessé de se réinventer.

L’histoire de l’art aime les génies, célèbre leurs fulgurances, leurs révolutions. Elle s’intéresse plus rarement à ceux qui – avant les musées et le marché – ont su voir un chef-d’œuvre dans une peinture décriée. Gustave Fayet (1865–1925) est l’un de ceux-là et, paradoxalement, l’un des moins connus des collectionneurs français, tout simplement parce que sa collection a été dispersée après sa mort.

Alors que Gauguin est à l’époque largement rejeté, Fayet acquiert 200 de ses œuvres ; il est aussi le principal mécène d’Odilon Redon. Une collection de près de 1 000 pièces comprenant également Cezanne, Van Gogh, Degas, Matisse et Picasso. Passé sous les radars, Fayet, qui était aussi artiste, sera célébré cet automne dans une grande exposition à la fondation Louis Vuitton, à Paris, qui réunit pour la première fois nombre de ces chefs-d’œuvre, aujourd’hui propriété de musées du monde entier, ainsi que ses propres créations.

De l’importance des collectionneurs

On oublie souvent combien nos musées ont été et sont toujours nourris par les collectionneurs. Près de 35 % des collections du Louvre proviennent de dons ou de legs ! À titre d’exemple, le baron Edmond de Rothschild a offert 40 000 dessins et le docteur Louis La Caze 583 peintures de Chardin, Fragonard, La Tour… Près de 40 % des collections du musée d’Orsay proviennent de dons de collectionneurs et environ 50 % pour le Centre Pompidou si on inclut les dons d’artistes et les dations. Aux États-Unis, les collectionneurs remplacent quasiment l’État puisque 70 à 90 % des œuvres du Metropolitan Museum, du MoMA ou de l’Art Institute de Chicago proviennent de dons privés.

Outre leurs donations en France, les collectionneurs proposent depuis les années 2000, à travers leurs fondations, des expositions avec des points de vue et des pièces exceptionnelles. Je pense à Antoine de Galbert, qui prête pour des expositions nombre des œuvres de sa collection atypique et en dehors du marché. Et surtout à François Pinault qui, en plus de 40 ans et près de 10 000 œuvres, a constitué l’un des collections privées les plus importantes au monde.

Un mélange inouï de points de vue, de désirs, d’envies et de choix

« Je préfère toujours les œuvres qui dérangent, car ce sont celles qui résistent au temps et c’est là que se trouvent les chefs-d’œuvre. »

François Pinault

Mais ce qui la rend unique, c’est l’œil du milliardaire, qui a repéré très tôt des artistes négligés comme David Hammons. Et surtout son choix de privilégier les pièces les plus radicales : « Je préfère toujours les œuvres qui dérangent, car ce sont celles qui résistent au temps et c’est là que se trouvent les chefs-d’œuvre. » Ses trois lieux (deux à Venise, un à Paris) offrent à voir ses collections à travers des expositions très différentes de celles des institutions. Un regard à part qui nous nourrit autant que l’histoire de l’art ! Et cela fait école : Laurent Dumas, PDG d’Emerige, va ouvrir à l’automne un centre d’art contemporain consacré à la scène française, à partir notamment de sa collection mais pas seulement.

Il ne faut pas oublier les centaines de jeunes collectionneurs, peu fortunés mais qui eux aussi offrent des œuvres aux musées. J’aime les collectionneurs pour leur liberté, l’originalité de leur regard et leur générosité. Ce qui fait la grandeur, le caractère unique de la culture française, c’est ce mélange inouï de points de vue, de désirs, d’envies et de choix, entre nos musées et nos institutions d’une part et, d’autre part, ces collectionneurs extraordinaires et libres.

Pourquoi les sourires sont-ils si rares dans l’histoire de l’art ? Qu’est-ce-que le nombre d’or ? Le syndrome de Stendhal existe-t-il vraiment ? Les artistes ont-ils un don ? Dans cette série, à retrouver ici en intégralité, notre journaliste Malika Bauwens répond de manière aussi précise que concise à ces questions pas si bêtes que vous vous posez sur l’art.

Commençons par le plus emblématique des exemples avec le fameux Cri d’Edvard Munch. En 1893, le peintre norvégien immortalise une silhouette hurlante sous un ciel embrasé.

Dans son journal, l’artiste raconte avoir ressenti « le grand cri de la nature » face à ce ciel brusquement écarlate. Longtemps, les historiens d’art n’y ont vu qu’une projection psychique, l’expression d’une angoisse typique du symbolisme finissant.

Une catastrophe naturelle dans le ciel de Munch

Mais en 2004, des chercheurs de l’Université du Texas proposent une lecture météorologique. Selon les scientifiques, ce ciel correspondrait aux nuages spectaculaires observés jusqu’en Norvège après l’éruption du Krakatoa, en Indonésie, le 27 août 1883 – l’une des catastrophes naturelles les plus meurtrières de l’Histoire.

Hypothèse depuis nuancée par la chercheuse norvégienne Helene Muri, qui évoque plutôt des « nuages nacrés », iridescences stratosphériques liées à la destruction de la couche d’ozone. Volcanique ou polaire, le ciel du Cri garde une part de mystère mais nul doute que Munch représentait (en plus de tourments) un phénomène atmosphérique bien réel.

Les frimas du nord

Autre siècle, autre climat. Au XVII^e siècle, les maîtres flamands et hollandais peignent en boucle des scènes frissonnantes. Dès 1565, avec Les Chasseurs dans la neige, Pieter Brueghel l’Ancien invente l’hiver en peinture – un motif jusque-là quasi absent des toiles religieuses ou agricoles. Suivront Hendrick Avercamp, Adam van Breen, Gijsbrecht Leytens et leurs patineurs joyeux sur canaux gelés. Le géographe Alexis Metzger, qui a passé au crible 500 tableaux hollandais du Siècle d’or, y voit la trace du « petit âge glaciaire », période de refroidissement global qui s’étend de 1300 à 1850 environ.

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Gare toutefois à l’image d’Épinal car, selon le scientifique, les hivers glacés ne représentaient que 16,8 % des conditions météorologiques observées. Cette avalanche de patineurs tiendrait autant du fantasme identitaire, à savoir celui d’une jeune nation en guerre contre l’Espagne se rêvant unie sous la glace, que d’un relevé météo fidèle.

Toute une faune qui disparaît

Reste une observation des plus vertigineuses que nous enseignent nombre de tableaux et dessins : la biodiversité perdue. En 1611, Jan Brueghel l’Ancien crée L’Air, une allégorie foisonnante conservée au musée des Beaux-Arts de Lyon réunissant plus de 60 espèces d’oiseaux européens. Une étude publiée en 2026 dans la revue scientifique pluridisciplinaire américaine PNAS y a repéré une scène inédite. Brueghel a peint une chauve-souris noctule capturant un oiseau en vol, un comportement que la science n’a confirmé qu’en 2025, grâce à des balises embarquées.

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Au-delà de l’anecdote, les chercheurs voient dans cette toile de Brueghel la preuve que les tableaux naturalistes peuvent servir d’archives écologiques. En recensant les espèces représentées à une date donnée, ils permettent de mesurer, des siècles plus tard, l’ampleur du déclin actuel de la biodiversité. Ce même principe est appliqué aux poissons des natures mortes italiennes ou aux bouquets hollandais, révélateurs des routes commerciales – et aujourd’hui des extinctions.

On peine à y croire, et pourtant : l’inlassable vertige a atteint son point final. Yayoi Kusama est décédée le 14 août 2026 à l’âge de 97 ans, laissant derrière elle une œuvre immédiatement reconnaissable. Partie de rien dans les rues du New York des années 1960, cette excentrique Japonaise a réussi à conquérir le monde entier, de l’avant-garde américaine aux plus grands musées, et jusqu’aux Instagrammeurs séduits par ses environnements immersifs.

Peintures, sculptures, performances, installations : créatrice infatigable, Yayoi Kusama a fait de la répétition et de l’infini les fils conducteurs d’un univers où l’intime se mêle étrangement au spectaculaire. De ses premiers dessins marqués par le traumatisme de la guerre à ses célèbres Infinity Mirror Rooms, en passant par Phalli’s Field et Pumpkin, retour sur douze œuvres mythiques qui permettent de mesurer en images l’ampleur de son héritage.

Fini le blues de la rentrée ! La saison culturelle qui débute en ce mois de septembre promet d’être grande. Les journées raccourcissent et permettent donc d’en profiter pour faire un tour dans les musées pour découvrir des expositions partout dans la capitale… De nombreux sites parisiens proposent en effet des nocturnes certains jours de la semaine (en particulier le mercredi et le jeudi) : de quoi découvrir les expositions les plus en vogue ou (re)voir les collections de nos musées iconiques !

À chacun son jour ! Scrutez aussi notre petit guide des jours de fermeture hebdomadaire pour ne pas risquer de trouver portes closes. Camille Vivier, Madeleine de Sinéty ou encore Annette Messager… Il y en a bien sûr pour tous les goûts dans les musées parisiens. Petite chose à savoir : il y a souvent moins de monde en soirée !

Les nocturnes du lundi

À l’exception du mardi, le Palais de Tokyo est ouvert tous les jours jusqu’à 22h.

Musée du Luxembourg – Jusqu’à 22h

Aux abords du jardin du Luxembourg, le musée fut l’une des premières institutions d’art ancien ouverte au public. Occupant les espaces du palais du Luxembourg où siège aujourd’hui le Sénat, il n’abrite plus de collection permanente mais propose deux expositions par an, mettant à l’honneur de grandes figures de l’art moderne et de la photographie. À partir du 16 septembre, ce sera au tour d’Andy Warhol à travers le prisme de son œuvre dessinée.

Les nocturnes du mardi

BnF Richelieu – Jusqu’à 20h

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Manuscrits rares, estampes, photographies, enluminures… Berceau historique de la Bibliothèque nationale de France, le site Richelieu regorge de trésors ! Réouvert en 2022 suite à une mue spectaculaire, il accueille dans la galerie Mansart deux expositions temporaires par an qui complètent celles du site François-Mitterrand dans le 13^e arrondissement, ouvert quant à lui tous les jours, sauf le dimanche, jusqu’à 20h.

Jeu de Paume – Jusqu’à 21h

Au cœur de Paris, le Jeu de Paume est un véritable lieu d’expérimentation de l’image sous toutes ses formes. De la photographie historique au cinéma expérimental et aux créations numériques contemporaines, il y en a pour tous les goûts ! La collection de photographies de Sir Elton John et de son époux David Furnish est à découvrir jusqu’au 24 septembre dans l’exposition « Fragile Beauté », tout comme l’étonnante rétrospective de Madeleine de Sinéty.

Les nocturnes du mercredi

Alors que le Louvre ouvre ses portes jusqu’à 21h, de nombreux musées organisent aussi des nocturnes le mercredi.

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Musée du Louvre – Jusqu’à 21h

Il est le musée le plus grand et le plus visité au monde ! Ancien palais royal datant du Moyen Âge, le Louvre fut transformé au fil du temps jusqu’à devenir un musée ouvert au public en 1793. En 1988, il prend sa forme actuelle avec l’inauguration de son iconique pyramide de verre de l’architecte Ieoh Ming Pei (1917–2019). Le musée du Louvre abrite une foisonnante collection comptant plus de 500 000 œuvres, de l’Antiquité jusqu’à 1848 et de l’Europe occidentale jusqu’à l’Iran, via la Grèce, l’Égypte et le Proche-Orient. Si le musée est sans cesse pris d’assaut, profitez de sa nocturne pour une visite en toute intimité (du moins dans certaines salles). Mais n’oubliez pas de réserver en ligne ! Des mini-visites de 20 minutes, avec des guides-conférenciers, sont organisées lors de ces nocturnes tous les mercredis et vendredis dans le parcours permanent et dans les expositions du moment.

Monnaie de Paris – Jusqu’à 21h

C’est l’une des plus anciennes institutions françaises ! Créée en 864, la Monnaie de Paris a pour mission de fabriquer la monnaie nationale mais fond également bijoux et médailles. Son site parisien de l’hôtel de la Monnaie situé quai de Conti accueille aujourd’hui des expositions, ateliers et événements variés qui en font un espace culturel dynamique.

Musée d’Art et d’Histoire du judaïsme (MAHJ) – Jusqu’à 21h00

L’histoire et les cultures juives sont à l’honneur au mahJ ! Avec sa foisonnante collection d’objets, de manuscrits et d’œuvres d’art, ce musée, niché dans un hôtel particulier du XVII^e siècle, propose des expositions sur l’histoire des communautés juives d’Europe et de la Méditerranée, de l’Antiquité à nos jours.

Musée de la Chasse et de la Nature – Jusqu’à 21h30

Inauguré par André Malraux, le musée privé de la Chasse et de la Nature situé dans les hôtels de Guénégaud et de Mongelas dans le Marais explore les rapports entre l’humain et l’animal. Œuvres d’art, animaux naturalisés, mobilier, orfèvrerie, armures… Ses collections éclectiques dialoguent régulièrement avec le travail d’artistes contemporains à l’occasion d’expositions temporaires. Un musée plein de charme à l’atmosphère intimiste qui accueille jusqu’au 20 septembre les créations d’Annette Messager.

Les nocturnes du jeudi

Musée d’Art moderne de Paris – Jusqu’à 21h30

Dans le bâtiment en face de celui du palais de Tokyo, le musée d’Art moderne de Paris présente un exceptionnel fonds de plus de 15 000 œuvres allant du XX^e siècle à nos jours : Delaunay, Picasso, Braque, Chagall, Parreno, Doig… En complément, l’institution propose plusieurs grandes expositions temporaires dédiées aux figures internationales de l’art moderne et contemporain. À l’instar de l’Américain Kerry James Marshall qui est mis à l’honneur à partir du 18 septembre.

Palais de Tokyo – Jusqu’à minuit

Installé au cœur du très chic 16^e arrondissement de Paris, le Palais de Tokyo est l’un des centres d’art contemporain les plus célèbres au monde et un espace d’exposition unique en son genre. Découvrez en ce moment les diverses expositions de la nouvelle saison.

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Musée du quai Branly – Jusqu’à 22h

Sculptures, textiles, objets d’art, instruments de musique… Abritant une collection de plus de 370 000 objets, le musée du quai Branly – Jacques Chirac présente des œuvres des civilisations d’Afrique, d’Asie, d’Océanie et des Amériques. Inauguré en 2006, ce musée conçu par l’architecte Jean Nouvel et édifié non loin de la tour Eiffel, propose des expositions temporaires et une foule d’événements culturels toute l’année ! Une immersion dans les cultures extra-occidentales.

Maison européenne de la photographie (MEP) – Jusqu’à 22h

Installée dans un hôtel particulier du XVIII^e siècle en plein cœur du Marais, la Maison européenne de la photographie (MEP) possède une collection de plus de 12 000 œuvres. Une place forte de la photographie à Paris qui propose des expositions temporaires variées, une bibliothèque spécialisée, une librairie et des ateliers toute l’année ! En ce moment, la MEP revisite l’histoire de la photographie avec une exposition en forme d’abécédaire tout en mettant aussi à l’honneur les clichés de Camille Vivier.

Musée Maillol – Jusqu’à 22h

Dédié à l’œuvre du sculpteur et peintre Aristide Maillol (1861–1944), ce musée sis dans un hôtel particulier de la rue de Grenelle a été inauguré en 1995 par la muse de l’artiste, Dina Vierny. Outre sa belle collection d’art moderne et d’œuvres signées de l’artiste nabi, le musée Maillol organise des expositions temporaires aux thèmes variés, allant de la photographie à l’art contemporain et la bande dessinée. Découvrez actuellement la plus grande rétrospective française consacrée au créateur de mode Gianni Versace !

Cité de l’architecture et du patrimoine – Jusqu’à 21h

Méconnue, la Cité de l’architecture et du patrimoine, située dans la palais de Chaillot, est pourtant l’un des musées les plus étonnants de la capitale ! Notamment, grâce à sa fabuleuse galerie des moulages où se trouve installée une reproduction du monumental portail de l’église-abbatiale de Moissac. Peintures murales grandeur nature, vitraux médiévaux, appartement témoin de Le Corbusier… Le parcours offre une immersion complète dans l’histoire de l’architecture en France.

Musée des Arts décoratifs (MAD) – Jusqu’à 21h

Mode, design, arts de la table, graphisme, joaillerie… Tous les arts décoratifs sont représentés dans cette institution fondée en 1882 et en partie installée dans les ailes de Rohan et de Marsan du palais du Louvre. Avec des œuvres et objets du Moyen Âge à nos jours, la visite est ponctuée de period rooms qui reconstitue des intérieurs emblématiques de l’histoire. La nef centrale du musée accueille des expositions d’envergure.

Musée de Cluny – Musée national du Moyen Âge – Jusqu’à 21h, les 1^er et 3^e jeudis du mois uniquement

Envie de remonter le temps ? Rendez-vous au musée de Cluny sur le site de l’ancien hôtel des abbés de Cluny et des thermes de Lutèce, en plein cœur du quartier Latin, pour un grand plongeon au Moyen Âge. Sa riche collection de sculptures, pièces d’orfèvrerie, enluminures, peintures et vitraux se déploie au fil d’un parcours dont l’un des temps forte est la présentation, dans une pièce dédiée, des six tapisseries de La Dame à la licorne (XV^e-XVI^e siècles).

Musée Jean-Jacques Henner – Jusqu’à 21h (2^e jeudi du mois)

Niché dans le quartier cossu de la Plaine-Monceau, cet élégant hôtel particulier où résidait autrefois le peintre académique Guillaume Dubufe (1853–1909) affiche un surprenant décor d’inspiration orientale dans une architecture Belle Époque.

Musée Marmottan Monet – Jusqu’à 21h

Situé dans le cadre bucolique du jardin du Ranelagh dans le 16^e arrondissement, le musée Marmottan Monet possède la plus grande collection d’œuvres du maître de l’impressionnisme, dont l’iconique Impression, soleil levant (1872). Berthe Morisot, Auguste Renoir, Edgar Degas ou Camille Corot comptent également parmi les artistes phares présentés dans cette institution née de la collection de Paul Marmottan, enrichie par la suite de nombreux legs et dons.

Musée d’Orsay – Jusqu’à 21h45

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Installé dans une ancienne gare ferroviaire spécialement construite, dans le 7^e arrondissement pour l’Exposition universelle de 1900, le musée d’Orsay héberge les collections nationales d’art allant de 1848 à 1914. On retrouve donc accrochés dans sa majestueuse nef et ses salles attenantes les chefs-d’œuvre de Monet, Van Gogh, Courbet, Degas, Rodin, Bonheur, Manet, Moreau et tant d’autres. Il s’agit du deuxième musée le plus visité de Paris après le Louvre ; attention donc à réserver votre billet à l’avance !

Mémorial de la Shoah – Jusqu’à 21h

Lieu de mémoire du génocide des Juifs lors de la Seconde Guerre mondiale, le Mémorial de la Shoah situé dans le Marais abrite le Mur des noms, qui rend hommage aux 75 568 juifs français et étrangers déportés et, pour la plupart, exterminés par les nazis, un Mur des Justes, une crypte et un Mémorial des enfants. Sa riche collection de documents, photos, et objets retrace l’histoire des Juifs de France pendant la Shoah, complétée par des expositions temporaires, des conférences, des ateliers, des concerts…

Institut suédois – Jusqu’à 21h

Installé dans l’hôtel de Marle en plein cœur du Marais, l’Institut suédois est depuis 1971 le centre culturel de référence pour les échanges entre la Suède et la France. On y découvre des expositions d’art et de design scandinaves, une riche bibliothèque, ainsi qu’un café-restaurant reconnu et un charmant jardin intérieur, dans un hôtel particulier Renaissance.

Les nocturnes du vendredi

Le Grand Palais – Jusqu’à 22h30

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Depuis sa réouverture, le nouveau Grand Palais fait tourner la tête de ses visiteurs. Et pour cause, le monument renoue avec les espaces qui étaient les siens entre 1900 et les années 1930, retrouvant sa stature et sa beauté. Le musée promet d’accueillir les noctambules jusque tard ! S’il reste seulement quelques jours pour découvrir les installations riches en illusions de Leandro Erlich, une grande exposition dès le 23 septembre promet de faire dialoguer l’œuvre de Cezanne avec l’art contemporain.

Petit Palais – Jusqu’à 20h

Joyau architectural édifié par Charles Girault entre la Seine et les Champs-Élysées, le Petit Palais abrite des galeries majestueuses peuplées de chefs-d’œuvre de l’histoire de l’art, grâce à des donations exceptionnelles. Construit pour l’Exposition universelle de 1900, le bâtiment accueille aujourd’hui des expositions temporaires de grande envergure.

Palais Galliera – musée de la Mode de la Ville de Paris – Jusqu’à 21h

C’est un des fleurons des musées de la Ville de Paris ! Le Palais Galliera, édifice de style néo-renaissance implanté au milieu d’un agréable jardin, offre un véritable panorama de l’histoire de la mode en France depuis le XVIII^e siècle. Sa collection de près de 200 000 pièces est en partie visible au niveau du rez-de-jardin à travers un accrochage renouvelé. Ses autres espaces présentent des expositions sur les plus grands couturiers ou sur des thématiques.

Atelier des Lumières – Jusqu’à 21h

Niché dans l’ancienne fonderie du Chemin-Vert créée en 1835, l’Atelier des Lumières propose depuis 2018 des expositions et expériences immersives grand public autour de l’œuvre de grands artistes ou de thèmes historiques.

Hôtel de la Marine – Jusqu’à 21h30

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Ancien garde-meuble royal trônant place de la Concorde, l’hôtel de la Marine, édifié par l’architecte Ange-Jacques Gabriel au XVIII^e siècle, fut un théâtre privilégié de l’histoire de France. Entièrement restauré, il a ouvert au public en 2021, offrant une visite des luxueux appartements des intendants du Garde-Meuble de la Couronne ainsi que de l’éclectique collection Al Thani qui expose ses pièces​ allant de l’Antiquité à nos jours, à travers des expositions temporaires.

Musée des Arts et Métiers – Jusqu’à 21h

C’est l’un des plus anciens musées techniques et industriels au monde ! Riche d’une collection de plus de 80 000 objets et 15 000 dessins, le musée des Arts et Métiers permet de découvrir des instruments scientifiques majeurs tels que microscope du duc de Chaulnes ou le laboratoire de Lavoisier, mais aussi les avions de Blériot et de Breguet exposés dans l’ancienne église Saint-Martin-des-Champs ainsi que le célèbre pendule de Foucault.

Musée du Louvre – Jusqu’à 21h

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Il est le musée le plus grand et le plus visité au monde ! Ancien palais royal datant du Moyen Âge, le Louvre fut transformé au fil du temps jusqu’à devenir un musée ouvert au public en 1793. En 1988, il prend sa forme actuelle avec l’inauguration de son iconique pyramide de verre de l’architecte Ieoh Ming Pei (1917–2019). Le musée du Louvre abrite une foisonnante collection comptant plus de 500 000 œuvres, de l’Antiquité jusqu’à 1848 et de l’Europe occidentale jusqu’à l’Iran, via la Grèce, l’Égypte et le Proche-Orient. Si le musée est sans cesse pris d’assaut, profitez de sa nocturne pour une visite en toute intimité (du moins dans certaines salles). Mais n’oubliez pas de réserver en ligne ! Bon à savoir : le musée est gratuit la première nocturne du mois (hors juillet et août). Des mini-visites de 20 minutes, avec des guides-conférenciers, sont organisées lors de ces nocturnes tous les mercredis et vendredis dans le parcours permanent et dans les expositions du moment.

Musée de l’Armée – Tous les 1^ers vendredis de chaque mois, jusqu’à 22h

Dans le bâtiment de l’hôtel national des Invalides, le musée de l’Armée abrite non seulement le tombeau de Napoléon I^er depuis 1840 mais aussi une vaste collection d’armes, de tenues, d’insignes, d’œuvres d’art et de documents sur l’histoire militaire de la France, de la fin du Moyen Âge à la Seconde Guerre mondiale. Un lieu de mémoire autant que de réflexion.

Musée Jacquemart-André – Jusqu’à 21h

Installé dans l’ancien hôtel particulier d’Édouard André et Nélie Jacquemart, le musée Jacquemart-André témoigne du goût raffiné de ces deux grands collectionneurs de la fin du XIX^e siècle. Ouvert au public en 1913, il réunit une riche sélection de peintures, sculptures et objets d’art, avec notamment des œuvres de la Renaissance italienne ainsi que des artistes flamands et français du XVIII^e siècle. L’institution propose également deux expositions annuelles, consacrées à de grands noms de la peinture. Dès le 11 septembre, Tintoret sera ainsi à l’honneur.

Les nocturnes du samedi

Petit Palais – Jusqu’à 20h

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Joyau architectural édifié par Charles Girault entre la Seine et les Champs-Élysées, le Petit Palais abrite des galeries majestueuses peuplées de chefs-d’œuvre de l’histoire de l’art, grâce à des donations exceptionnelles. Construit pour l’Exposition universelle de 1900, le bâtiment accueille encore aujourd’hui des expositions temporaires de grande envergure.

Atelier des Lumières – Jusqu’à 21h

Niché dans l’ancienne fonderie du Chemin-Vert créée en 1835, l’Atelier des Lumières propose depuis 2018 des expositions et expériences immersives grand public autour de l’œuvre de grands artistes ou de thèmes historiques.