Depuis plus de 20 ans, Roy Kahmann découvre et promeut des photographes talentueux grâce à son réseau performant de publications, de galeries et de salons internationaux d'art. Entretien avec Jim Casper.

Roy Kahmann est le fondateur et directeur du Hungry Eye Group, une plateforme internationale dédiée à la photographie qui rassemble des galeries, des publications, des livres sur les talents et des salons organisés par des conservateurs. Après une formation de designer, il est devenu collectionneur, conservateur, éditeur et entrepreneur, et s'est fait le champion de la photographie néerlandaise et européenne sur la scène internationale. Grâce à des initiatives telles que la Hungry Eye Gallery (anciennement Kahmann Gallery), le magazine GUP, Fresh Eyes, la Hungry Eye Fair et Artibooks, Roy Kahmann a mis en place un écosystème intégré dédié à la découverte, au mentorat et à la promotion des talents photographiques émergents et confirmés à travers le monde.

Nous sommes ravis que Roy ait accepté de faire partie du jury des LensCulture Black & White Awards de cette année. Pour cette interview, il s'est entretenu avec Jim Casper de LensCulture. Voici une version éditée de leur conversation, accompagnée d'exemples de quelques-uns des nombreux artistes que vous pouvez découvrir à la Hungry Eye Gallery à Amsterdam.

Jim Casper : Tout d'abord, pouvez-vous me parler un peu de votre parcours personnel dans le domaine de la photographie ? Qu'est-ce qui vous a d'abord attiré vers ce médium ?

Roy Kahmann : Eh bien, mon histoire personnelle est longue, Jim. J'ai commencé dans le design. J'ai débuté dans l'une des meilleures agences de design en tant que junior, junior, junior à la fin des années 1970. À cette époque, j'ai rencontré quelques grands artistes, dont Ed van der Elsken. J'ai participé à la création de son livre « Amsterdam », qui est devenu célèbre. Et pourtant, je n'étais qu'un assistant des grands designers. Je me souviens avoir réalisé une double page d'un livre avec l'une des photos d'Ed, et j'ai coupé un morceau de la photo parce que je pensais que cela améliorait la mise en page. Ed m'en a voulu pour ça. Il m'a dit : « Mais qui es-tu, bon sang ? Ne recadre pas mes photos ! »

Je pense que c'est à partir de là que j'ai commencé à voir la bonne photographie du point de vue de ceux qui ont vraiment l'œil. Il m'a fait voir les images différemment. Je lui ai acheté ma première photo. Au début des années 90, lors de mon premier voyage à New York, ma femme et moi voulions acheter des œuvres d'art et nous avons fini par acheter deux photos à la Howard Greenberg Gallery. À cette époque, j'ai constaté qu'aux États-Unis, le marché de l'art photographique était déjà beaucoup plus important qu'en Europe.

JC : Et depuis, vous avez construit tout un écosystème. Vous avez des galeries, vous publiez des livres, vous organisez des salons d'art. Je me demande ce qui vous pousse à vous investir autant dans ce domaine ?

RK : Eh bien, je pense qu'il me manquait quelque chose dans la tête. (Rires) Je suis un peu fou sur ce sujet, mais non, non, c'est vraiment une passion. J'aime aider les gens à entrer sur le marché et les aider à survivre dans le grand chaos du marché de l'art, les aider à trouver leur propre signature et les aider pour les publications. Après avoir ouvert la galerie, j'ai lancé le magazine GUP avec deux partenaires, car il n'existait pas de magazine dédié aux talents émergents ici. Je me suis dit que si personne d'autre ne créait un beau magazine, autant le faire nous-mêmes ! Nous avons tout fait pendant notre temps libre, le soir. C'était très amusant à réaliser. Et oui, cela fait 20 ans que nous avons commencé.

JC : Vous avez aidé beaucoup de gens à construire leur carrière.

RK : Oui, je vois beaucoup d'artistes, beaucoup de photographes, qui ont besoin d'une sorte de coach à leurs côtés, d'un partenaire, qui peut être un conservateur, ou qui peut les aider financièrement, ou les aider à se faire un nom dans la presse ou dans leur narration. Et c'est quelque chose que j'aime toujours faire pour certaines personnes que je peux aider.

JC : Pourquoi pensez-vous que la photographie en noir et blanc est si spéciale, à la fois en tant que forme d'art et en tant qu'objet que les gens veulent avoir chez eux et collectionner ?

RK : Eh bien, la question de savoir ce qui rend le noir et blanc si spécial m'a été posée à maintes reprises, et l'une des raisons est très pratique. Je collectionne beaucoup. Ma femme et moi possédons, je pense, près de 10 000 œuvres. Nous en avons beaucoup. Et la raison pour laquelle nous ne collectionnons que du noir et blanc, c'est qu'il est facile de mettre côte à côte des photos de 1910 à 1950 jusqu'à nos jours. Elles s'harmonisent toutes visuellement. C'est donc une question très pratique. Si vous collectionnez des photos en couleur — et j'ai quelques belles œuvres en couleur de Vivianne Sassen —, il est plus difficile de les accrocher au mur avec d'autres photos. C'est peut-être mon œil esthétique qui insiste pour que les images en couleur s'harmonisent avec d'autres images en couleur. Avec le noir et blanc, il n'y a pas de problème.

JC : C'est très intéressant. Et cela semble logique du point de vue d'un collectionneur. Mais pourquoi pensez-vous que tant de photographes, même aujourd'hui, dans notre monde numérique, dans notre monde saturé de couleurs, choisissent encore de travailler en noir et blanc ?

RK : C'est une question que vous devez leur poser, mais je pense que le noir et blanc est plus facile à associer, que ce soit dans une série, dans un livre ou sur un mur. Je vois beaucoup de photographes qui prennent des photos à l'intérieur, à l'extérieur, de mannequins, de paysages, de natures mortes. Si vous essayez de les rassembler en couleur pour en faire une série, ils doivent partager un certain style, fonctionner ensemble comme une véritable série où la coloration, la couleur, le dégradé sont tous identiques. Et si vous les passez en noir et blanc, c'est facile. Il est plus facile de combiner tous ces éclairages et situations différents où vous photographiez dans une même série.

Il y a donc là encore cet aspect pratique qui fait que oui, cela s'accorde plus facilement. Mais c'est aussi une question de goût. Tout est une question de goût. Les gens aiment le noir et blanc ou ils aiment la couleur. Lors du salon Hungry Eye il y a 10 jours, qui a attiré beaucoup de jeunes collectionneurs dans la trentaine et la quarantaine, nous avons vendu plus de photos en couleur qu'en noir et blanc. Mon goût personnel reste le noir et blanc. Vous pouvez voir ce qu'il y a dans ma galerie. Nous exposons environ 80 % de photos en noir et blanc.

JC: What advice would you give to photographers who would hope to have their work discovered by someone like you and shown in the gallery?

RK: First of all, I look for an authentic way of working. I’ve seen a lot of people who just copy and copy in a way that shows they really looked carefully at other successful photographers. So be authentic. That’s one.

Another thing is that making one, two, or three really good images is not a big problem for anyone. You and I can make fantastic pictures with our iPhones. But it’s hard to make a series. If you can make a series that is consistent and authentic, then you have my eye, then I see the talent.

Then as a last thing, I want to know what the photographer can make after this series. So for example, I saw a really nice series recently. I loved the idea. Even though the series was fantastic, I asked the photographer, what are you going to make next?

JC: Yes. You want to see if they have staying power. As a juror for the LensCulture Black & White Awards, are you looking for anything in particular?

RK: I’m always on the look. The thing is you’ve got to say stay hungry and that’s my middle name. I’m hungry to see new talents. To find new talents.

Black and white photography is powerful for me because it always feeds my eye. There are people who say everything has been photographed already. So far it’s not true because I see so many new talents coming and … this is not done yet.

JC: If a young collector asked you why they should start with black and white, what would you tell them?

RK: Well, I sometimes give a lecture about collecting. And I think first of all, if you start collecting, look at what’s done before, look at the grand masters, William Klein, Evans, what they did. And then I always say follow the ones at your own age. So I have a young collector, he’s 32, and I have an artist in the gallery who’s also 32. I said, look at her work and it’s nice. You can grow with somebody. In the time that I started collecting, first of all, I started looking at 1950’s and 1960’s pictures, and then I started to look at photographers my age. It’s really nice to see them grow and you grow with it.

JC: I’ve had a similar experience. I started LensCulture fairly close to when you started. I met a lot of great young photographers in the early 2000’s who are continuing to make amazing work twenty years later, and it’s exhilarating to follow someone’s creative progression year after year.

JC : Auriez-vous d'autres conseils à donner aux photographes ?

RK : Eh bien, tout d'abord, comme je l'ai dit à mes collectionneurs, regardez ce qui a été fait par le passé, étudiez les grands maîtres. Vous aurez ainsi une base solide sur ce qui était vraiment bon, authentique et intemporel, hier comme aujourd'hui. Ensuite, trouvez votre propre voie. Restez toujours fidèle à vous-même. C'est peut-être un cliché, mais ne faites pas ce que les autres vous disent de faire. Suivez votre instinct. Ce chemin est très difficile à suivre. Ce n'est pas facile. Cela prend des années. Il faut être patient.

JC : Merci beaucoup de m'avoir accordé cet entretien.

RK : Ce fut un plaisir. J'ai hâte de découvrir les œuvres soumises pour les prix de cette année.

Jim Casper, interview de Roy Kahmann le 28/10/2025
Focus sur la photo noir et blanc avec la Hungry Eye Gallery

patricia kaersenhout déploie une pratique transdisciplinaire qui s’intéresse aux persistances du colonialisme. Son travail porte sur les mouvements politiques de la diaspora africaine et leur relation avec le féminisme, la sexualité, le racisme et l’histoire de l’esclavage.

L’exposition présente deux films récents : Le retour des femmes colibris (2022) rejoue le Congrès international des écrivains et des artistes noirs, tenu à la Sorbonne en 1956 et imagine la rencontre de Joséphine Baker, Jeanne et Paulette Nardal, Frida Kahlo et Suzanne Césaire. Ces femmes visionnaires, pionnières de la Négritude et des révolutions culturelles, se réapproprient l’histoire dans une fresque cinématographique qui tisse des liens entre continents, mouvements artistiques et luttes anticoloniales.

Dans Offrandes voilées, les Òrìshà — divinités de la tradition spirituelle Yorùbá — s’élèvent pour confronter l’héritage du Code Noir de 1685, l’ordonnance de Louis XIV régissant la vie des personnes noires, libres ou réduites en esclavage, dans les territoires français. Par le rituel, la poésie et l’invocation spirituelle, le film recompose l’histoire coloniale comme une blessure partagée — une blessure qui exige non pas la culpabilité, mais la vérité, l’humilité et une transformation radicale. patricia kaersenhout est représentée par la galerie Akinci à Amsterdam.

A l’heure des retours nauséabonds de crétins qui veulent limiter l’immigration pour se maintenir politiquement en vie, un acte qui fait remonter la culture d’ailleurs. Celle qu’on voudrait dire absente afin de la mieux négliger. Merde, encore raté !

Jean-Pierre Simard, le 28/10/2025
patricia kaersenhout - Offrandes voilées -> 25/01/2026
La`Ferme du Buisson - Allée de la Ferme Noisiel 77186 Marne-la-Vallée

The Other Art Fair, présentée par Saatchi Art, revient au ZeroSpace à Gowanus du 6 au 9 novembre. L'édition de cet automne est plus colorée, plus audacieuse et plus délicieusement imprévisible que jamais. Avec plus de 125 artistes indépendants, des installations immersives et des moments interactifs à chaque coin, c'est ici que la créativité rencontre la curiosité.

Soirée d'ouverture avec DJ Crystal Queer & Mariyea

Commencez la foire en beauté. Jeudi soir, DJ Crystal Queer mettra le feu avec un set énergique et Mariyea, artiste, actrice et icône drag queen originaire de Brooklyn, se produira en live. Tous deux soutiennent Black Trans Femmes in the Arts, le partenaire officiel à but non lucratif de la foire, dont la mission est de célébrer et de mettre en avant les artistes transgenres et non conformes au genre noirs. Attendez-vous à du glamour, du mouvement et beaucoup de fierté.

Splendeur de l'Atelier Sisu

Au-dessus du salon flotte Splendour, une œuvre de l'équipe artistique et de design australienne Atelier Sisu, inspirée par la magie éphémère de la lumière du soleil. Observez comment cette sculpture change du jour à la nuit au salon, nous rappelant que même la lumière elle-même est une œuvre d'art en constante évolution.

Installations cinétiques par Hypersonic

Laissez-vous emporter par le mouvement avec non pas une, mais deux installations cinétiques fascinantes réalisées par Hypersonic. Ces œuvres sculpturales pulsent, tournent et scintillent dans un mouvement rythmique. Elles sont parfaites pour tous ceux qui aiment se perdre dans l'expérience apaisante, semblable à l'ASMR, de l'art en mouvement.

Œuvres d'art et objets de collection en édition limitée

Ramenez un morceau de la foire chez vous. Procurez-vous le Friday Late Event Bundle pour obtenir un sac fourre-tout en édition limitée de Griffin Goodman, une joyeuse nature morte célébrant l'acte de création. Soyez parmi les 200 premiers invités de la soirée et vous recevrez également un pin's émaillé Efdot à collectionner en échange de votre participation à une œuvre d'art collective.

The (Brooklyn) Cloisters — Installation de bar

The Cloisters déménage à Brooklyn ! Entrez dans « The (Brooklyn) Cloisters », une installation bar conçue par le duo créatif Richard Hoffman & Adam Rose, qui réinvente l'emblématique Met Cloisters avec une touche contemporaine. Cette œuvre onirique est le lieu où les reliques médiévales rencontrent l'art moderne, chaque pièce étant une réinterprétation ludique d'œuvres « anciennes » dans des matériaux nouveaux et des styles audacieux.

Rendez-vous surprise avec une œuvre d'art

Tentez votre chance. Pour moins de 200 dollars, déballez une œuvre mystère et découvrez votre prochain artiste préféré. Le plaisir réside dans la révélation et dans l'histoire que vous emporterez chez vous.

Alcide Nitrique, le 28/10/2025
The Other Art Fair