Avec un week-end de lancement les 7 & 8 juin et un week-end de clôture les 21 & 22 juin 2025, cette 29e édition propose un mois d’ouverture avec 130 auteurices invité.e.s, des expositions, des ateliers, rencontres, concerts et animations dans toute la ville.

Pour y avoir été plusieurs années, le festival se démarque par son accessibilité et sa formule dédiée aux familles. En plus de la programmation, des artistes invité.e.s et des animations, le festival offre une grande place au jeune public avec des espaces ludiques, des ateliers et des rencontres dédiées. Le festival est ouvert à tous pour les expos ce week-end du 14 & 15 juin et le week-end de clôture, 21 & 22 juin, accueillera 60 auteurices en dédicace. 

Avant de vous présenter en détail le programme de ce festival gratuit et accessible encore 2 semaines, je vous propose d’en savoir plus avec sa directrice, Sophie Mille.

Passée par Science Po en vue d’être journaliste avant de bifurquer vers l’événementiel, elle est recrutée comme régisseuse générale des rendez-vous de la bande dessinée d’Amiens à partir de 2018. En 2020, elle en devient la coordinatrice et cette année, la directrice ; succèdant à Pascal Mériaux qui prend la Direction du pôle BD Hauts-De-France. 

Comment s’organise la programmation entre les propositions adultes et la jeunesse, qui est très présente dans ce festival ? 

Sophie Mille : C’est l’ADN du festival, c’est un festival familial. 

Je ne suis pas programmatrice artistique : on a une cellule artistique du festival. Il y a 15 personnes qui se réunissent après chaque édition pour préparer la prochaine, parfois même avec 2-3 ans d’avance. 

Et ce qu’on essaie de faire, c’est d’avoir un plateau d’expo qui va des tous petits —et c’est primordial pour nous, comme on bosse sur la BD muette, on sait à quel point ça fonctionne— on fait toujours en sorte d’avoir une expo accessible aux 2-3 ans et d’aller chercher tous les publics. On essaie de ratisser le plus large possible avec des incontournables comme avoir chaque année une expo manga. 

C’est cette cellule qui fait des propositions et je suis la garante de l’équilibre : est-ce qu’on a une proposition suffisamment large ? Est-ce qu’on met en avant les jeunes autrices, les jeunes auteurs ? Et c’est comme ça qu’on fonctionne, chacun arrive avec son coup de cœur, on met tout ça sur la table, on regarde un peu ce que ça donne. On se dit on y va, on y va pas mais généralement on y va du premier coup.

Et vous réfléchissez sur plusieurs années ? Par exemple avec une grosse expo comme celle autour de Naoki Urasawa qui ne va pas être en concurrence avec d’autres ? 

S.M. : Oui, on fonctionne vraiment comme ça. Cette année, on savait qu’on allait consacrer 400m2 à Naoki Urasawa : et cet espace d’expo, c’est 4 espaces d’expo habituellement. Il a fallu faire des choix stratégiques et réfléchir à qu’est-ce qu’on propose en complément tout autour, pour que chacun y trouve son compte.

Et, effectivement pour certains projets, on s’est dit c’est un projet d’ampleur, on ira l’année prochaine. Et voilà, on est déjà en train de bosser sur l’année prochaine, vu que c’est les 30 ans, avec d’autres propositions d’envergure. 

Côté expositions, il y a beaucoup d’expos collectives ou thématiques chaque année, ça aussi c’est dans l’ADN du festival ? 

S.M. : On ne se l’impose pas. Mais chaque année, on a des commissaires d’expo —c’est rigolo ce sont toujours les mêmes— qui adorent soit faire dialoguer les arts, soit faire dialoguer les artistes entre eux. Et à chaque fois ils nous font une proposition collective et c’est super intéressant.

Par exemple, avec Nanas Métalliques et New York / New-York , on a deux expositions collectives et on se rend compte à quel point c’est chouette d’avoir ça.

La proposition a changé cette année avec 3 gros week-end, est-ce que vous avez une idée de quel impact aura ce changement ? 

S.M. : On va le voir. On sait que sur les 2 week-ends muséaux, comme il avait jusqu’à présent [contre 1 cette année], on a forcément moins de fréquentation. Mais on a une super fréquentation par rapport à la proposition, et on va voir cette année : peut-être que tout va se concentrer sur un week-end et qu’on aura beaucoup de monde sur le week-end muséal, et j’imagine que ça va être le cas avec le petit buzz autour du festival cette année. 

Et vous allez garder une formule similaire ? 

S.M. : On expérimente. Le 4 week-end est super, mais il reste chronophage pour les équipes. Il faut recréer la dynamique à chaque fois, ce n’est pas évident. Et le fait de rassembler sur 3 week-ends, en termes de communication, rend compte que c’est plus simple.

On va voir ce que ça va donner en termes de fréquentation mais on aime bien se réinventer, donc on verra l’année prochaine. On analyse et puis on voit.

En 2026, ce sera les 30 ans, quelles sont les grandes lignes sur lesquelles tu aimerais travailler dans les prochaines années ? 

S.M. : J’ai envie d’aller un peu plus sûr de l’indé. Notre public est tellement habitué à venir sur le festival maintenant qu’on va pouvoir commencer à proposer des choses un peu plus alternatives, un peu plus indé. Et je suis sûr qu’on trouvera le public pour, il y a moyen de faire des choses là dessus.

Chaque année, on a un coup de projecteur sur une maison d’édition indépendante et on n’a pas pu le faire cette année parce que l’espace ne s’y prêtait plus. Mais est-ce que ce sera sur le festival ou qu’on fera en amont, dans un lieu différent ? Je n’en sais rien mais il y a eu des propositions tellement intéressantes de ce côté-là. 

Naoki Urasawa signe l’affiche 

Avec une affiche sous forme de planche où Naoki Urasawa intègre ses personnages dans les rues d’Amiens, l’invité d’honneur de cette édition 2025 sera partout avec une double exposition (Monster, Asadora !, Yawara! et Happy! seront présentés dans une expo à La Halle Freyssinet —lieu où se déroule le festival— et une autre dédiée à 20th Century Boys & Monster à la Maison de la Culture d’Amiens) mais également une masterclass, un concert et des rencontres.

Mais on en reparle très vite dans un second article avec interview du mangaka et des commissaires d’expo.

Du côté des expos

En plus de ces deux expos phares, vous pourrez découvrir plusieurs expo thématiques et une programmation dédiée à la jeunesse. Je vous laisse les descriptifs et accroches du festival pour en savoir plus sur chaque expo & espace. 

New York / New-York : I’ll be your mirror 

« L’exposition sera double, comme un jeu de miroirs où viendront prendre place côte à côte les imaginaires de la vielle Europe et les œuvres plus récentes d’une nouvelle génération d’autrices et d’auteurs de la bande dessinée new-yorkaise, qui nous donnent à voir (et presque à entendre) quelque chose d’imperceptible au sujet de cette utopie en perpétuelle réinvention.»

Nanas Métalliques 

« À l’occasion des 50 ans de Métal Hurlant et des Humanoïdes Associés, nous vous proposons de plonger dans l’univers de ce magazine phare du 9e Art, et de découvrir son alias féminin, Ah! Nana, premier magazine de BD fait par des femmes et pour des femmes de 1974 à 1976. Une immersion au cœur de la SF, de l’imaginaire et du féminisme, des années 70 à nos jours.»

Verts

« Une vague de mutation végétale semble frapper l’humanité : nouveau-nés couronnés de feuilles, retraités requinqués par une tardive montée de sève, peaux bourgeonnantes d’où poussent branches et fleurs… C’est cet univers, sorti tout droit de l’imagination foisonnante de Marion Besançon et de Patrick Lacan, qui servira de cadre à cette exposition et permettra de questionner le lien de l’homme à la nature, de manière inédite et onirique.» 

« On va vers la jeunesse, c’est ainsi qu’on a structuré la Halle à travers le temps. Il y a une Halle d’animation avec, toutes les demi-heures, des propositions de lecture de bande dessinée, Kamishibai, tapis narratifs, lectures picto-signées… La dimension jeunesse est cruciale ici.»

Pascal Mériaux lors de la présentation presse

Do Ré Mi Chat, de la musique plein les yeux

« Crée par les éditions de la Gouttière et l’Orchestre de Picardie, cette exposition jeune public proposera une découverte de la collection Do Ré Mi Chat, composée de bandes dessinées sans texte, qui traversent trois médiums : la bande dessinée, la musique et la vidéo. Ludique et interactive, elle permettra la découverte des cinq albums et plongera les petits festivaliers dans des univers où la pratique, les émotions et l’imagination se croisent et s’entremêlent.»

Abracada-Brume ! 

« En trois tomes, la petite Brume de Carine Hinder et Jérôme Pelissier a connu un succès retentissant en France. Des milliers de jeunes lecteurs se sont passionnés pour les aventures de cette sorcière déterminée, effrontée, drôle et attachante. L’exposition retranscrira fidèlement l’univers brumeux et hors du temps de cette série à succès et fera la part belle à l’interactivité et aux animations.»

Bulles en jeux 

« Cette année marque le grand retour d’un espace entièrement dédié aux jeux inspirés de BD ! En présence d’auteurs et d’animateurs, petits et grands pourront découvrir ou redécouvrir des jeux emblématiques pour tous les niveaux : Nains (Grrre Games / Pierre-Denis Goux), Potion express (Kiwizou / Carine Hinder), Pikit (Repos Production / Sylvain Repos), Lanfeust de Troy (Oka Luda / Tarquin), Stella, un jeu de l’univers Dixit (Libellud / Jérôme Pélissier), Unlock – Dans la tête de Sherlock Holmes (Space Cowboys / Benoît Dahan), Donjon, les apprentis gardiens (Sylex Édition / Lewis Trondheim), Le Roy des ribauds (Matagot / Ronan Toulhoat).»

Expos & animations hors les murs 

La Lune des Pirates

« En amont du festival, les RDV BD et La Lune des Pirates s’associeront pour proposer une exposition des dessins réalisés par des autrices et auteurs de bande dessinée au cours des dernières éditions du festival Minuit Avant la Nuit. Cette présentation sera complétée par un atelier manga animé par Anthony Rico et un BD-concert explosif de Totorro & Friend.»

Ankama Éditions, 20 ans de création BD, mangas & Comics 

« Fleuron des Hauts-de-France aujourd’hui reconnu internationalement, Ankama fête en 2025 les 20 ans de sa branche édition. Cette exposition sera l’occasion de présenter son travail d’édition en proposant notamment la découverte de l’œuvre de quatre auteurs majeurs. Des rencontres, une conférence et la découverte de la branche Ankama Games viendront compléter cette exposition.»

Du côté des animations 

Une vingtaine d’ateliers animés par des autrices et auteurs en Petite Fabrique et une 40 séances proposées dans le Petit Auditorium (Kamishibai, tapis narratif, lectures picto-signées, lectures à voix haute…) sont accessibles gratuitement. 

Mais également des ateliers au cœur des expositions puis une trentaine d’ateliers BD animés par les étudiants en Licence 3 et en Master Métiers de la BD ; des ateliers en continu animés par l’école d’animation 3D Waide Somme et la Bibliothèque nationale de France. 

« On a animé en 2024 : 854 demi-journées de face à face pédagogique. La moitié avec mon équipe de médiateurs, l’autre moitié avec des auteurs, tous rémunérés. Ça crée une dynamique incroyable à l’échelle de la ville avec le prix des écoles, du département avec le prix collégien de la Somme et le prix des Lycéens. C’est au cœur de ce qu’on fait : comment la bande dessinée peut déclencher des plaisirs de lecture, éviter du décrochage au collège et faire de la remédiation.» 

Pascal Mériaux lors de la présentation presse

Des spectacles jeune public comme Le loup en slip, d’après la BD de Mayana Itoïz, Wilfrid Lupano et Paul Cauuet, ou Les contes illustrés d’Olivier Supiot et Richard Petitsigne sont aussi au programme. 

Sans oublier les battles de dessin, les dessins en live sur écran géant, les jeux collectifs et les masterclass techniques. 

Pour consulter le programme complet, rendez-vous sur le site de l’événement. 

💡 Infos pratiques
Festival Gratuit
Ouvert de 10h à 18h les 3 week-ends de juin : 
7 & 8 JUIN WEEK-END D’OUVERTURE (70 artistes invités)
14 & 15 JUIN WEEK-END MUSÉAL
21 & 22 JUIN WEEK-END DE CLÔTURE (60 artistes invités)

📍 Halle Freyssinet, Rue de la Vallée, 80000 Amiens

Thomas Mourier, le 16/06/2025
Interview de Sophie Mille, directrice des rendez-vous de la bande dessinée d’Amiens

Les liens renvoient sur le site Bubble

À la Galerie Nathan Chiche, le dialogue entre Maria Adjovi et David Mbuyi prend corps dans un lieu déjà chargé de mémoire : une ancienne école dessinée par Jean Prouvé, lieu de transmission devenu aujourd’hui un territoire plastique et de révélation sensible. Dans cette architecture pensée pour l’éveil, leurs œuvres ouvrent un champ de perception, où la peinture devient à la fois langage, prière, et acte de présence.

Elles réactivent, chacune à leur manière, des images disjointes : chez David Mbuyi, c’est le souvenir d’une image vue, photographiée, puis transfigurée par la peinture ; chez Maria Adjovi, ce sont les images du passé qui reviennent comme des figures persistantes de l’âme. Toutes deux nous rappellent, chacune à sa façon, que les images ne dorment jamais.

Deux voix picturales, distinctes mais secrètement accordées, interrogent ici ce qui demeure — le regard de l’enfance, les persistances de la mémoire, la survivance des formes. L’un explore le visible en mouvement, capte l’instant dans son élan, déplie la couleur comme une énergie vivante. L’autre sculpte l’invisible dans l’immobile, fait du visage un sanctuaire intérieur, et du regard une prière silencieuse.

Chez David Mbuyi, la peinture est traversée par un regard qui ne juge pas mais qui découvre, capte, saisit : un regard d’enfant, au sens fort du terme — c’est-à-dire un regard premier, vierge de tout préjugé, disponible à l’émerveillement comme à l’inquiétude. Il ne peint pas des souvenirs, il peint ce que l’œil a enregistré dans un éclair, comme une photographie intérieure. Les corps sont saisis dans leur mouvement, leur posture — jamais inertes. Ils habitent l’espace, le traversent, s’y fondent parfois. Ce sont des figures en devenir, tendues vers un monde qu’elles interrogent plus qu’elles ne dominent.

Le visage, une fois transposé sur la toile, n’est plus une figure arrêtée. Il s’élargit, vacille, se prolonge dans l’espace pictural. David Mbuyi introduit une dynamique où la surface semble incapable de contenir l’élan du sujet représenté. Il y a débordement, transgression, comme si le portrait cherchait à excéder son propre cadre. La peinture devient alors un lieu de réécriture de la mémoire visuelle. Ce que le regard a fixé, la main le recompose. Ce que l’objectif a saisi, le geste pictural le réactive. Comme l’écrit Georges Didi-Huberman : « Voir, c’est toujours voir à travers. À travers le temps, à travers les gestes, à travers les pertes. » Chez David Mbuyi, la peinture opère précisément ce travail du regard à travers : à travers l’image initiale, à travers la mémoire, à travers la matière. Ce n’est pas la mémoire qui sommeille, c’est l’image qui veille.

Il construit une œuvre intensément habitée par la végétation — non pas en tant que décor, mais comme matrice. Les feuillages, les verts éclatants, les arborescences picturales se déploient dans ses toiles avec la vitalité d’un monde en germination. Chez lui, la nature est vivante, elle respire, elle s’élance. Elle ne cadre pas le sujet, elle en est l’extension. La végétation est mémoire et énergie, enracinement et expansion. La couleur, chez lui, est profusion. Elle ne s’applique pas : elle s’exprime. Les verts intenses, les rouges solaires, les jaunes presque liquides s’organisent dans une logique organique, non géométrique. Il y a dans ses toiles une sensation de flux : tout est traversé par une force vitale, une énergie fondatrice.

Maria Adjovi, en contrepoint parfait, installe sa peinture dans une lenteur rituelle. Ce n’est pas le mouvement qui l’intéresse, mais la vibration intérieure. Chaque portrait est une présence. Ce sont des visages qui ne s’offrent pas à la narration, mais à la méditation. Le regard qu’elle peint n’est pas descriptif, il est initiatique. Il renferme un secret, une mémoire, une blessure parfois. Et il nous regarde, non pas pour être vu, mais pour être reconnu.

Sa peinture est profondément spirituelle, mais jamais dogmatique. Elle puise dans une iconographie silencieuse, dans une intériorité mystique qui dépasse le religieux. Chaque toile devient une zone de recueillement. Les couleurs, d’abord vives, s’emplissent peu à peu d’opacité. Ce sont des couches, des voiles, des strates : comme si la lumière passait à travers une succession de peaux. Il y a là une densité qui n’est pas pesanteur, mais profondeur — un appel à la lenteur, à l’écoute, à l’introspection. Ces portraits nous fixent comme des vigies silencieuses, chargées d’un regard qui ne s’éteint jamais.

Chez Maria Adjovi, la figure maternelle est omniprésente, mais elle ne se donne jamais frontalement. Elle est dans la forme du visage, dans la texture de la peinture, dans le silence des yeux. Ce n’est pas une image, c’est une présence. La spiritualité chez elle n’est pas une posture : elle est l’espace même où s’élabore l’œuvre. Une spiritualité de la mémoire, de la transmission, du soin. Maria Adjovi ne peint pas pour représenter. Elle peint pour relier. « Je dis que l’identité s’ouvre dans la relation, non dans la solitude de l’être », écrivait Édouard Glissant. C’est dans cette poétique de la relation que s’inscrit son œuvre : une peinture qui parle aux absents, qui garde, qui veille.

Entre les deux artistes s’installe une conversation silencieuse, vibrante. Là où David Mbuyi explore les extériorités — les corps en tension, les paysages habités, les pulsations chromatiques —, Maria Adjovi creuse les intériorités — les regards fermés sur un monde intérieur, les couleurs qui absorbent la lumière, les visages comme des reliquaires. Cette exposition n’oppose pas deux esthétiques : elle tisse une trame commune entre le geste et la présence, la lumière et l’ombre, l’élan vital et le sacrée. Elle installe la peinture dans un entre-deux fécond : entre l’image comme trace, et l’image comme seuil. Car ici, plus qu’ailleurs, les images ne dorment jamais.

Leon Redfinger, le 16/06/2025

Maria Adjovi et David Mbuyi - Les images ne dorment jamais / Imago Nunquam Dormit -> 15/09/2025
Galerie Nathan Chiche - 90, rue Jean Julien Barbe 57070 Vantoux

Les éditions MF lancent une nouvelle collection intitulée "Poésie commune", dont quatre titres viennent de paraître, quatre petits livres cartonnés de format 95x130 qui tiennent entre les paumes, et et dont les différentes couleurs semblent annoncer un passionnant arc-en-ciel.

Si j'emploie cette image météorologique, ce n'est pas par hasard, car quelque chose de climatique rassemble ces ouvrages, qu'il s'agisse des nuages du Xixi de Florence Jou, des saisons de Des branches et des autres de Camille Sova, de la neige de Poudreuse de Séverine Daucourt, ou de l'eau de Veules-les-Roses de Gabrielle Schaff.

Les éléments comme élément commun? Et la poésie, alors? Ici, elle est tout sauf hors-sol, même si elle se préoccupe d'arrachements de toutes sortes. Ici, elle va et vient dans le monde d'aujourd'hui en affrontant un paysage-panique. Ici, elle devient, comme dans le Xixi de Jou, un discret kung-fu permettant de survivre dans un présent où le ciel a des "accents de cannibale", le ciel qu'il faut à tout prix éviter de "perdre". La poésie non pas comme remède à l'industrie humaine, mais comme langue-passeport ouvrant d'autres possibles, la poésie comme un mouvement de tai-chi que l'ennemi n'a pas le temps de détecter.

Dans un petit livre savamment accordéoné, offert pour l'achat de deux titres, des extraits et des textes commentant ces parutions étoffent la vision qu'on peut déjà se faire de cette excitante aventure éditoriale – d'autant plus que MF nous annonce pour l'an prochain la parution d'un nouveau livre d'Elke de Rijcke, Paradisiaca. Un Lac-Opéra, et nous en donne à lire un extrait (en attendant, je vous conseille vivement de lire l'anthologie de cette auteure, parue chez Lanskine sous le titre Et puis, soudain, il carillonne).

Mais écoutons pour lors la voix de Florence Jou, qui devrait vous donner envie de faire poésie commune avec ces livres:

mon réveil est vent féroce / une tasse de thé vide au pied de mon lit / je me décolle de ma carcasse aux lèvres gelées / pour prendre le rasoir de mon père / tailler dans ma masse brune touffue / trancher comme des lambeaux de viande / devenir combattante de la vraie ombre / ninja des rivières célestes 

Combattant de la vraie ombre: ce pourrait être une possible définition de la poésie, aussi commune que diffractée, à l'œuvre dans ces quatre ardents missels.

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Claro, le 16/06/2025

Collection Poésie Commune - éditions MF
Pour en savoir plus, c'est ici.